Художественная практика Кати Улитиной центрирована на феномене телесности. К этой теме Катя обращается не только как живописец, но и как перформер — в частности, один из холстов, представленных на выставке, является результатом работы перформативной группы Алека Петука в ГЭС-2 в 2023 году, в которой Катя принимала активное участие.

В недавней выставке «Неназванная пустота» на Винзаводе под кураторством Кирилла Алексеева Катя представила серию работ, в которых тело декомпонируется до черт иероглифа. Выразительная способность человеческого тела демонстрировалась через ставшую уже классической театральную метафору «тела как иероглифа», за авторством Антонена Арто. В своей театральной теории он предлагает специфический подход к работе с актером, который по воле режиссера превращает свое тело в напряженное визуальное выразительное средство. «Функция движения» представляет несколько работ, в которых на передний план выходит именно этот аспект телесности — бытие-знаком, передающим свое значение зрителю на интуитивном, досознательном уровне. Анонимизированная пластическая форма тела подчеркивается монохромным цветовым решением. Индивидуальность личности растворяется в позе и композиции. Такова функция движения.

В своей художественной практике Надежда Войнова обращается к методам минималистической абстракции. Работы, представленные на выставке, созданы в период с 2020 по 2025 год. Название отсылает к выставке Надежды «Иногда я моргаю…», которая прошла в галерее в 2023 году. Это вторая часть речения учителя Мадзу из «Сборника пяти ламп». Мадзу сказал: «Иногда я моргаю и это оно, а иногда я моргаю и это не оно». Каждому учителю в традиции китайского Чань-буддизма свойственен свой «почерк» — характерная только для него форма передачи учения. Так кто-то передает состояние просветления специальным жестом, кто-то словом, кто-то молчанием. Мадзу учит правильно моргать, то есть делать это так, чтобы провоцировать спонтанное состояние просветленности.

«В графике я могу быстро выразить свои ощущения. Моментальное рисование отражает то неуловимое, что ты ещё не понимаешь, но уже подозреваешь, только начинаешь сознавать», — объясняет художница. В живописи Надежда использует тот же принцип. Сам процесс рисования превращается в жест, когда кисть становится продолжением руки. Образы пребывают в вечном становлении, благодаря интуитивному восприятию жизни автора. «Моя живопись — это, прежде всего поиски внутри меня», — эти слова Надежды Войновой и есть настоящий ключ к её работам.

В своей художественной практике Кирилл Данелия обращается к классическому авангардному приему ассамбляжа. Сам по себе он позволяет наглядно материализовать метафору глубины произведения искусства, которая открывается за его плоской поверхностью с одной стороны и выходит навстречу зрителю с другой. На выставке представлены работы из двух серий — «дошики» Instant noodles и эллинистическо-нумерологические «доминошки». Мир лапши быстрого приготовления обволакивает нас матрицей сиюминутных удовольствий, оставляющих после себя лишь распаленный сильнее прежнего аппетит, для удовлетворения которого мы снова и снова набрасываемся на горы суррогатов. Таков неутешительный вердикт, который Кирилл Данелия выносит действительности.

Можем ли мы что-нибудь сделать с этим? Как мыслящие существа мы подвержены двум процессам разного рода. Калькулирующее мышление несет нас по поверхности сущего от суррогата к суррогату, не принимая в расчет того, что подлинное насыщение в таком движении оказывается невозможным. Мышление осмысляющее, напротив, дает нам доступ к глубине происходящих событий, в которой лежит истина, выходящая нам навстречу в событии. Отрешенное созерцание как не-акт, не-волевой акт восприятия прокладывает нам путь в глубину вещей. Созерцая образы в произведениях, мы способны обнаружить в партии женских-четных и мужских-нечетных костяшек то, что задевает нас и обращает наш взор к глубинам, в которых совершается священный брак земли и неба.

В своей художественной практике Кирилл Данелия обращается к классическому авангардному приему ассамбляжа. Сам по себе он позволяет наглядно материализовать метафору глубины произведения искусства, которая открывается за его плоской поверхностью с одной стороны и выходит навстречу зрителю с другой. На выставке представлены работы из двух серий — «дошики» Instant noodles и эллинистическо-нумерологические «доминошки». Мир лапши быстрого приготовления обволакивает нас матрицей сиюминутных удовольствий, оставляющих после себя лишь распаленный сильнее прежнего аппетит, для удовлетворения которого мы снова и снова набрасываемся на горы суррогатов. Таков неутешительный вердикт, который Кирилл Данелия выносит действительности. Можем ли мы что-нибудь сделать с этим? Как мыслящие существа мы подвержены двум процессам разного рода. Калькулирующее мышление несет нас по поверхности сущего от суррогата к суррогату, не принимая в расчет того, что подлинное насыщение в таком движении оказывается невозможным. Мышление осмысляющее, напротив, дает нам доступ к глубине происходящих событий, в которой лежит истина, выходящая нам навстречу в событии. Отрешенное созерцание как не-акт, не-волевой акт восприятия прокладывает нам путь в глубину вещей. Созерцая образы в произведениях, мы способны обнаружить в партии женских-четных и мужских-нечетных костяшек то, что задевает нас и обращает наш взор к глубинам, в которых совершается священный брак земли и неба.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/16qE6BcbOrP3FBIbVmkpKEMmeDQeIH3Xw?usp=drive_link

В своей художественной практике Ромуальдас Пранулис обращается к методам абстрактного экспрессионизма, создавая выразительные работы в узнаваемой стилистике. Холсты, представленные на выставке, созданы в 2025 году и являются очередным этапом в работе автора. Белые фоны и замысловатые цветастые пятна, переплетенные чертами, являются как бы подвешенными в безграничной пустоте образами предметов. Прежде, чем стать опознаваемой вещью, которая обладает известным нам именем — например, «стол» или «стул» — визуальный образ предмета не может быть нами пережит, но может быть представлен. За пределом нашего восприятия, обращающего мешанину пятен и черт в вещь, сама эта вещь существует в качестве смутного клубка излучаемых ей вовне сигналов. В своей работе Пранулис, как и положено художнику-экспрессионисту, берет на себя символическую функцию посредника, который способен передать нам слабый отсвет того, какими могут быть вещи, когда мы не смотрим на них.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/10DD3rejlhmXWC96ree4voe6SttN3Qb4s?usp=drive_link

Главным для меня всегда было создание своего пространства в картинах. Работая в стилях геометрической абстракции и оп-арта, я пытаюсь «раздвинуть» плоскость картины, используя разнообразные художественные приеемы: контраст цвета, объема и плоскости, насыщенности, фактур, тона; перекрывание одной формы другой; изображение отверстий, «дырок», углублений, прорезей. В результате возникает живое многослойное пространство, внутри которого спрятано, как кажется зрителю, самое интересное, неожиданное. Эффект Буратино, которому было интересно узнать, что же скрывается за нарисованным на холсте очагом. Людей всегда интересует то, что немного прикрыто, то, что за плоскостью (стеной, преградой, стандартным представлением о чем-либо). Так и мои работы построены именно на этом эффекте. Цветное, оптимистичное, эмоциональное в них, как правило, находится за нейтральным, серым, обыденным. Мне интересно искать новые возможности абстрактной живописи. Но один закон искусства для меня остаётся неизменным: закон цельности и гармонии. Именно он помогает создать самостоятельный, законченный мир на плоской поверхности, по которому я с удовольствием путешествую и приглашаю к путешествию зрителя. На выставке представлены живописные работы из серии «Пространство за холстом», созданные с 2003 по 2023 годы.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1BCqS4ZO0i4eJ_YTKXQUn7xg03RXyIJMq?usp=drive_link

Основоположник русского малышизма, певец дачной жизни и краевед московского закоулка, писатель и художник Денис Крюков всегда интересовался образами позднесоветской и ранней постсоветской повседневности. От оттепели до девяностых отечественная визуальная культура хоть и успела пережить ряд чудесных преображений и совершить множество немыслимых поворотов, все же на основных линиях напряжения сохраняла удивительное глубинное постоянство. Записанные в школе на подкорку классические полотна, где медвежата лазают по бурелому, вздымаются равнодушные к человеку волны, а грачи однозначно прилетают; вьющаяся меж непроглядных сосен железнодорожная колея; торчащая над свинцовой рекой сталинская высотка и микрорайон панелек с просторным проходным двором; накаченные герои голливудских боевиков в расплывчатом видеокассетном качестве равно как и скорее телевизионные интеллигент-маргинал Чебурашка с простым рубаха-парнем крокодилом Геной; наконец, авоська с бутылкой кефира, — подобные вещи узнавались несколькими поколениями граждан нашей страны. Многие и сейчас прекрасно поймут, о чем идет речь. Эти образы ушли в глубокое подсознательное, вопреки частой смене моды, мутации разговорной речи, фантастическому темпу технического прогресса, восхождению одних героев дня и падению других. Среди таких предметов, определяющих наш быт, а вместе с ним и мировоззрение, можно смело выделить конфетные обертки. Они уверенно конкурировали с вкладышами и наклейками из жвачек, всеми этими гоночными автомобилями, персонажами американских мультфильмов и полураздетыми дамами. Иногда дизайн конфет сохранялся буквально нетронутым в течение полувека, а то и дольше. Однако парадоксальным образом мы часто помним это оформление достаточно условно, в расплывчатом виде, в мареве побочных ощущений, в чем признается и сам Крюков. «Столичные», «Белочка», «Полет», «Красная шапочка», «Кара-Кум», «Мишка косолапый», «Коровка», батончики фабрики «Рот Фронт», ириска «Кис-кис» и прочие отечественные сладости выступали чем-то вроде платоновских идей, как, впрочем, и многие другие объекты местного товарного универсума, который мог без предупреждения скакнуть от пустых прилавков к астрономическим ценам. Но уж если эти гостинцы из эмпирей доходили до конечного потребителя, последнему ничто не мешало ими насладиться. Вопросы кондитерского качества затмевала все заполняющая, разрешающая все проблемы сахарность, тогда как криво обрезанное изображение на фантике казалось не браком вовсе, а вполне себе знаком качества, поистине концептуальным дизайном. Съев божественную конфету, наш человек часто не выбрасывал обертку: он разглаживал ее, приспосабливал как книжную закладку, закрывал при помощи одной или целого вороха таких бумажек прореху на обоях или иные некрасивости в жилище. Эти кирпичики, врачующие нескладное бытие, соединялись с фразами, услышанными в фильме, рюмочной или гастрономе, да просто с причудливыми филолгическими озарениями, которые свойственны жителям России. Фантики, подобно подземной реке, питали воображение. Кто мы без них? Чужие сами себе, а чужие, как известно здесь не ходят.

текст: Сергей Гуськов

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1gnEMKFfxqt6hC20TwBhWVYsBsRbkEaId?usp=drive_link

Художественная практика Sasha Look разворачивается в поле абстрактного экспрессионизма. При этом, в качестве основного материала для своих работ Саша выбрал пряжу. Сегодня, когда текстиль как медиум переживает небывалый расцвет, этот ход оказывается весьма интригующим. В работах, представленных на выставке, помимо нити в работах появляется грубая и тяжелая фактура бетона. Контрастные сочетания свойственны технике Саши, как утверждает он сам: «Любые ограничения в работе кажутся мне искусственными и лишними. Чем больше я думаю, тем меньше делаю и мне более важен сам процесс, элемент случайности. Я предпочитаю эксперименты с непредсказуемыми результатами: последовательное наложение и удаление слоев, наклеивание и отрывание материалов… Обычно, я избегаю прямых объяснений и комментариев, текст — не является неотъемлемой частью моего художественного высказывания».

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1IlUkS2QYgATLsnV2CIb9j0vzrn8gFSDH?usp=drive_link

Скованность в действиях и мыслях — состояние, которое знакомо каждому. Причин для этого множество: чрезмерный поток информации из разных источников (когда сталкиваешься с большим количеством данных, мозг не успевает обрабатывать их, что приводит к чувству беспокойства и стресса); страх выйти из зоны комфорта, хотя она себя уже исчерпала, но новые паттерны поведения не выработаны. В тотальной инсталляции Лев Казак создает пространство, которое призвано вырвать зрителя из внешнего и защищенного. Посредством намеренного разрушения появляется новое, руинизированное, некомфортное, дисфункциональное, но при этом хрупкое и уязвимое. Разбирая устоявшуюся знаковую систему до каркаса, он представляет ее во всей подлинной наготе. «Окно» — переход в другой мир, мир под названием «Ничто» — несуществующая реальность. Основой для инсталляции стали простые, «бедные» материалы. Такой подход дает ощущение приземленности и подлинности. Это способ избавить сам материал от привнесенной извне, навязанной «красоты», которая также сдерживает и заставляет функционировать в одной и той же парадигме.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1qAE8ruZfacwkDHbY9twFwwJ2OPi51H9M?usp=drive_link

В своих работах художник Иван Дубяга предлагает напряженно-депрессивный взгляд на действительность, которая окружает нас в повседневности. Иван исполняет свои работы в нарочито «наивной» технике, которая позволяет с наибольшей прямотой и искренностью передать эмоциональное состояние, которое время от времени застигает врасплох каждого из нас. В его работах можно проследить параллель с творчеством Иеронима Босха. Как и Босх, Дубяга создает миры, в которых границы реальности и подсознания размыты, а причудливые образы символизируют внутренние страхи, желания и кризисы личности. Его искусство служит проводником в подсознание, где грубая эстетика ар-брюта усиливает эффект погружения в изнанку человеческой психики. Живопись разочаровавшегося в себе отпавшего тварного — вот как хотелось бы кратко охарактеризовать художественную практику Дубяги. Для выставки были отобраны работы, так или иначе затрагивающие один из ключевых элементов центрального средиземноморского мифа. Этот элемент проще всего ухватить как «Изгнание». Миф повествует нам о том событии, следом и следствием которого является несовершенство окружающего нас мира.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1e4nmS38byrLuiY-SRNArKHYWhl0YCKU1?usp=drive_link

В проекте Ильи Пономарева «Электролиз» центральным объектом оказывается фигура распада. Медные объемные портреты при создании подвергаются различным способам коррозирования, именно за счет этого они обретают свою узнаваемую фактуру.

Специально для выставки художник готовит динамическую работу — медную маску, которая полностью растворится в электролите к закрытию выставки. Такой долгий процесс, экспонированный и не прекращающийся даже при закрытых дверях, предлагает нам встречу с чем-то материальным и текучим, при этом таким, что многократно превосходит наши способности восприятия. Именно это и называется «Возвышенным».

На выставке Александра Чемакина будет представлена графика и рисунки среднего формата, созданные в период с 2018 по 2019 год. Ключевая особенность работ, представленных в экспозиции, состоит в том, насколько близко подходит графическое изображение к той реальности, которую оно пытается отразить. Сближению способствует оригинальный медиум Чемакина — негрунтованнный гофрокартон, фактура и цвет которого исполняют перед зрителем роль бесконечно-глубокого фона, из неразличимости которого навстречу нас выплывают прекрасные образы, отсылающие к возвышенным образцам.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1JHL3TGKA5peRqTwFg74fi76ra9D7ioLk?usp=drive_link

В центре внимания проекта [minimalia] располагается фигура «ничтожно малого», которая раскрывается в художественных практиках авторов, чьи работы отобраны для участия в выставке. 60-е годы прошлого века — золотое время для становления современного искусства. Именно в этот период складываются три направления, которые определят правила художественной игры на десятилетия вперед: минимализм, концептуализм и поп-арт. При этом сами по себе эти течения вовсе не были замкнутыми школами — известно немало художников, которые дрейфовали на протяжении своей художественной практики между всеми тремя направлениями. В рамках этой выставки куратор Роман Шалганов совместно с художниками обращается к той зоне, которая располагается на пересечении художественных практик минималистов и концептуалистов спустя шестьдесят лет. Центральный объект экспозиции — скульптура художника Романа Ермакова «Вперед за билетом!», созданная в коллаборации с МТС Live. Скульптура изображает зрителя, спешащего за первым билетом. Радость от события искусства захватывает его задолго до начала представления, приобрести билет одним из первых означает для него прикоснуться к чистой радости и унести с собой ее осязаемый кусочек. В объекте легко прочитывается общее настроение жажды эмоций и новых впечатлений — это ценность, которая созвучна не только бренду МТС Live, но и каждому живому человеку. В композиции использованы фирменные цвета и паттерны МТС Live в авторских комбинациях. Подлинное искусство всегда многослойно. Под поверхностью радостного зрителя скрывается архетипическая фигура Арлекина, в которой под видом неутолимого желания высказывает себя неистощимая воля к жизни. Арлекин — искрометный скоморох, оказывающийся главной движущей силой любого сюжета, в какой только он не заглянет. Мерцая на границе сна и яви, запретного и дозволенного, он запускает и останавливает цепочки событий одним своим появлением. Искусно балансируя на канате, натянутом между животным и человеком, он каждый раз заставляет нас ужасаться, зависая над пропастью, и радоваться его ловким трюкам и веселым проделкам. В общем контексте выставки скульптура предваряет смещенное зрелище, вынося навстречу зрителю абстрактную фигуративную композицию, в глубине которой таится сущность искусства как такового. Однако, чтобы показать себя сквозь массу слоев и поверхностей этим слоям необходимо оказаться смещенными относительно своего привычного места — эту операцию проделывает с ними выставка в целом.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1YedRI5A2abnuQ88mqtrFNuYKcgbbmRK9?usp=drive_link

Там, где на стыке пластов воздвигаются горы и раздаются впадины мы наблюдаем наиболее заметные следы геологического процесса, который сам по себе оказывается по большей части скрыт от нас в толщах пород и напластований. Над горячим сердцем планеты плывут литосферные плиты. Их движение едва заметно, однако, неостановимо. Их положение сверхдетерминировано. Это означает, что причин для каждого мгновения и каждого конкретного условия их существования более чем достаточно, и, вместе с тем, никакая финальная причина над ними не властна. Сами по себе они всецело пребывают во власти слепого исторического процесса, который разворачивается сам из себя, созидая себя в своих эффектах. Никакое «зачем» не предшествует их проявлению. В своих работах художница Элина Марусова обращается к фактуре камня, создавая удивительно тонкую по своему звучанию минималистическую скульптуру. На выставке будут представлены две серии работ — холсты «Портреты камней» и кирпичики «Пейзажи», которые живописуют немое и неотвратимое в своей величественности движение хтонических слоев породы.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1iOxHc3J6Ab9bQ9Ffpml441JiZ-woWvUS?usp=drive_link

Галерея M.A.R.S.H. представляет вторую персональную выставку Надежды Войновой. В этот раз, как и прежде, в центре художественной практики Надежды находится спонтанное действие, которое становится своеобразным способом исследования реальности. Одним из экспериментов, предпринятых Надеждой за последнее время, является обращение к фактуре гофрированного картона, ленты из которого позволяют создавать масштабные мерцающие вертикальные полотна. Эфемерный пейзаж на них тает в полосах фактуры. Здесь нам хотелось бы обратить внимание вдумчивого зрителя на следующий аспект — где именно совершается «спонтанное действие»? Казалось бы, ответ очевиден — биохимические импульсы в мозгу отзываются на сознательное движение мысли и, повинуясь, направляют необходимые сигналы к нужным нервным окончаниям, превращая намерение в движение, оставляющее след на холсте. Однако, отвечая на поставленный вопрос таким образом, мы уходим от того главного, что на нас в самом этом вопросе выглядывает, от динамики сил необходимости и случайности в основании нашего собственного существования. Вспоминая об окказионалистском ответе на этот вопрос мы с неизбежностью обнаружим, что само по себе взаимодействие двух субстанций — мысли и тела — представляет собой глубокую проблему. Ее решение, которое подсказывает нам Мальбранш, состоит в том, что мы отказываемся признавать сам факт воздействия одного предмета на другой. Пустота между атомами не проводит взаимодействия, но содержит в себе закон отношений элементов атомарного агрегата. Оценивая ту пропасть, которая разверзается между мной и другим предметом или между двумя атомами вещества, мы можем увидеть в следе спонтанного события невозможный предмет. Невозможный в том смысле, что он высказывает некоторую истину, истину пустоты между атомами, которая в повседневном усмотрении каждый раз оказывается от нас скрытой.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1HkidLHxkwc-BzTSm4Ks512KxwBEpfqJ7?usp=drive_link

Галерея M.A.R.S.H. представляет персональную выставку Сергея Дергуна под кураторством Романа Шалганова. Основное пространство экспозиции отведено под работы из серии «Объём и пространство». Одним из ключевых объектов поля культурного производства и художественной рефлексии является образ. При этом необходимо отметить, что образ как таковой возникает вовсе не на поверхности, например, холста или графического листа, но над их поверхностью. Точнее, образ возникает в том эфемерном пространстве, которое разделяет наш глаз и ту поверхность, к которой он обращен. Глаз испускает взгляд, который обладает определенной проективной силой. Именно в луче нашего активного взгляда обретает себя тот или иной образ. Обретает себя с тем чтобы предъявить себя нам одной из своих сторон, скрыв от нас некоторую глубину. Художественная практика Сергея Дергуна ориентирована на исследование глубины образа. Используя определенный набор приемов — контраст цвета, объема и плоскости, насыщенности, фактур, тона, перекрывание одной формы другой, изображение отверстий, «дырок», углублений, прорезей — Сергей конструирует такой источник эфемерного образа, который раскрывает нам навстречу свою глубину. Если мы готовы встретиться с тем, что из этой глубины смотрит на нас.

Фотоотчета нет

В рамках первой персональной выставки Дениса Крюкова будет впервые показана серия графики, над которой автор работал последние два года. Художник Денис Крюков — личность, вне всякого сомнения, легендарная. Писатель, редактор с многолетним стажем, основоположник «русского малышизма», недавно взялся за линер, как говорит он сам, «по зову крови». Каждый из нас — приемник. Улавливая сигнал извне, мы создаем эфир, полный белого шума, из которого сплетаются смутные образы и дерганные силуэты характерные для Среднерусской Возвышенности. На графическом листе, как на экране, отпечатываются образы принимаемых сигналов. Работы Дениса представляют собой зону пересечения визуального и текстового полей. В этой зоне становится очевидным принципиальное тождество графической линии и черты символа.

Фотоотчета нет

Макс Талинг — художник-график. Но его картины не просто графические работы. В них пространство и лица оживают за счет узоров, похожих на едва уловимое пламя тлеющих угольков. Сами фигуры, складываются в некие буквы и слова, они как будто пытаются передать какие-то послания. Синий цвет выбран для особого отстранения, общий тон хоть и кажется монохромным, но составлен из разных оттенков синего, сложные узоры композиции создают особую глубину и рождают ощущение покоя и тишины. Названия работ — это особая часть игры, которую художник затеял со зрителем, чтобы помочь уловить музыку, звучащую в картинах. Работы чисты и прозрачны, они открываются зрителю постепенно, и поэтому их нельзя смотреть в спешке и суете. Каждая картина это месяцы кропотливого труда, и никакая фотография не может передать всех тонких и филигранных нюансов оригинального изображения.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1xqLsCP-LW218x2mDtnw4T6WzDx6Pe0cB?usp=drive_link

Галерея M.A.R.S.H. представляет персональную выставку Тины Шибаловой под кураторством Романа Шалганова. Выставка продолжает проект «Стена». В очередной главе проекта в центре внимания оказывается фрагмент белой стены, простой предмет, который утрачивает свою простоту стоит только присмотреться внимательней. Различие характеристик отдельных участков поверхности создает сетку, которая становится линиями разлома той преграды, которая отделяет нас и мир Видимости от пустыни Реального. Важной особенностью художественной практики Тины является обращение с реальностью как с материалом для создания работы, при этом граница между произведением и миром становится достаточно условной. Сделать себя саму подвижной границей между реальностью и фикцией художнице позволяет, в числе прочего, использование пинхола как инструмента равного по своим параметрам и свойствам художнице. В то же время не менее значимой оказывается и отрешенность от процесса, в результате которого появляются новые работы лишенные рефлексии, холодные и самодостаточные. Проект реализован в рамках программы Collab Центра художественного производства «Своды» Дома культуры «ГЭС-2».

Фотоотчета нет

Галерея M.A.R.S.H. представляет персональную выставку выпускника института База, участника группы ПНИ Ивана Хрящикова. В рамках проекта можно увидеть серию концептуальных работ, которая строится вокруг исследования базовых понятий, конструирующих наше представление о реальности. Первым произведением серии стала инсталляция «Верх-низ». Работа превращает абсурдный объект в прибор для удостоверения каждого в адекватности его мироощущения. Шарик на ниточке предлагает, воспользовавшись им в соответствии с инструкцией, определить, где находится верх, а где низ. Объективация очевидных, как бы растворенных в нашей повседневности отношений между предметами, составляющими фон нашего существования и нашим собственным телом как вещью среди вещей является характерной чертой носпектакулярной художественной практики Ивана, которая актуализуется и в более широком контексте концептуального искусства. Смысловым центром выставки является понятие «категории» введенное Аристотелем для описания наиболее общих форм человеческого мышления. Эти принципы мышления лежат в основе того механизма в нашем сознании, который формирует перед нами картину окружающего мира, оставаясь, при этом, скрытым в тени этого самого мира. Работы Ивана обнаруживают некоторые из таких базовых категорий, которые изнутри нашей повседневности кажутся нам наиболее очевидными и банальными, однако именно за их кажущейся самоочевидностью скрывается подлинная реальность.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1kJuLfIhIdN_6R1qxSoC22JFpMm1SBg8K?usp=drive_link

В галерее M.A.R.S.H. открывается персональная выставка Михаила Рубанкова, в рамках которой художник размышляет о природе языка и рассматривает искусство как феномен, который позволяет отстраниться от привычных маршрутов речи и мысли, почувствовать окружающий нас мир с новой стороны, что является необходимым первым шагом для настоящей, подлинной мысли. Работы Михаила деконструируют язык повседневности, пересобирая привычные нам семантические конструкции, демонстрируя их условность. «Границы моего языка суть границы моего мира» — так звучит один из центральных тезисов «Логико-философского трактата» австро-английского философа Людвига Витгенштейна. Авторы проекта «…Не хватает только красных чернил» осмеливаются утверждать, что это одновременно так и не так. Язык, как система знаков, встречает нас в момент нашего рождения и сопровождает до самой смерти, определяя ту среду, в которой мы формируемся как субъекты. В то же самое время как таковой этот язык всегда оказывается для нас несобственным, полученным как бы в наследство от его предыдущих пользователей, что обуславливает тот факт, что данного языка нам всегда не хватает для полного экзистенциального самовыражения. На выставке будет представлена «Черно-синяя» серия работ, большинство из которых созданы в 2023 году, при этом часть работ сделана специально для выставки.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1klqiVewmrBF-L2jbPdw_Myf873HPvL3-?usp=drive_link

В галерее M.A.R.S.H. открывается выставка живописных работ Дины Калинкиной «Клумбы». Художница использует свой собственный декоративный стиль, сочетая яркие цвета и пластичные обводки. Особое место в работах Дины занимают растения и орнаменты, которые складываются в бесконечный райский сад, к многообразию которого автор каждый раз добавляет что-то еще.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/10ac02ERgQ096OhGCIfqyhUKaj8ygk16N?usp=drive_link

В галерее M.A.R.S.H. открывается выставка Ильи Качаева «Деформация». С помощью бумаги художник фиксирует и как бы «замораживает» во времени следы материальных предметов, которые своим появлением в окружающей действительности деформируют наше восприятие реальности. В экспозиции выставки оттиски на ватмане пяти предметов: радиатор, вентиляционная решетка, профнастил, арматура, рифленый лист. Их формы и текстуры ретранслируют ощущение металлического: будучи изготовленными из целлюлозы, они лишены свойств стали или алюминия. Формы и текстуры пяти стальных предметов, оттиски которых мы видим на бумаге, предлагают зрителю не блеск хромированной поверхности, а лишь предположение этого блеска, не звон металла, а лишь его предчувствие.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1vrhajSMFM_5IGshf2_kkR2VBe_dpbKDW?usp=drive_link

Название отсылает к коану из «Сборника пяти ламп», в котором говорится об учителе Мадзу. Каждому учителю в традиции китайского Чань-буддизма свойственен свой «почерк» — характерная только для него форма передачи учения. Кто-то передает состояние просветления специальным жестом, кто-то словом, кто-то молчанием. Мадзу учит правильно моргать, то есть делать это так, чтобы провоцировать спонтанное состояние просветленности. Спонтанность — ключевой элемент не только в Чань-буддизме, но и в художественной практике Надежды. Множество своих работ она создает по наитию, в порыве творческого экстаза, близкого к просветлению. Получившиеся работы проходят строгий отбор и только очень немногим из них выпадает честь оказаться завершенными авторской подписью. Огромное количество незавершенных работ просто уничтожаются. На выставке будет представлена часть графической серии среднего формата, один большой холст, а также две работы, которые будут созданы в ходе перформанса на открытии.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1oG_RLscQHjBui6umjTNJm6ct6-i5CLLQ?usp=drive_link

Галерея M.A.R.S.H. представляет вторую персональную выставку Василия Кроткова. «Явленное и сокрытое» по-своему продолжает предыдущий проект «Взгляд и протяженность». В центре композиции первой выставки находилось возвышенное событие, в котором пересекаются два временных потока — хронологическое время повседневности и кайрологическое безвременье Божественной вечности. Когда два этих потока пересекаются происходит событие священного, однако, такое пересечение в человеческой культуре оформляется двумя полярными способами. Первый — «высокий», его, условно, можно описать как «аполлоническую теофанию», иначе говоря, событие священного в этом способе является в тишине и свете. Второй способ — «низкий» — обрамляет священное тьмой и криками. Прибегнув к музыкальной метафорике, мы можем сказать, что высокий способ царит в общепринятых представлениях о класической музыке, в то время как низкий проявляется, например, в бешеном рейве девяностых-нулевых. «Явленное и сокрытое» обращается к «низкому» случаю пересечения временных потоков повседневности и вечности, в котором привычные вещи мира вырываются из глубин холстов, а в фокусе внимания зрителя оказывается обнаженная плоть, вынесенная напоказ и образы блуждания в поисках выхода из заколдованного круга реальности

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1ceuQZhgWecLZydjJmNRmFT8BYcwLNHhb?usp=drive_link

Галерея M.A.R.S.H. представляет выставку Василия Кроткова «Взгляд и протяженность». Каждое художественное направление или стиль представляет собой определенную аберрацию взгляда. Художник предлагает зрителям по-новому увидеть привычные предметы. Кубофутуризм как определенный тип взгляда предлагает в качестве такой аберрации время, которое, проникая под поверхность изображаемой вещи, деформирует ее. Работы, представленные на выставке, предлагают погружение в стихию времени, от бытовых предметов, постепенно искажающихся по мере приближения к событию священного, которое само по себе всегда оказывается вневременным, и обратно, к спокойным устойчивым вещам мира.

Фотоотчет:

https://drive.google.com/drive/folders/1NIpy0YBWqp-SmnNHTgLyCgh-ix3Jbejt?usp=drive_link

Галерея M.A.R.S.H. представляет выставку работ Пана Задорожного «Камо грядеши?». Сам художник так раскрывает заявленную в названии тему: «Камо грядеши? Куда идёшь? Чего ты хочешь? С кем ты? Кто ты?. На эти всегда актуальные вопросы современный мир вынуждает дать ответы каждого из нас уже сегодня. Прямо сейчас. Ответы, в первую очередь, самому себе. Мои полотна как путевой камень на развилке дороги в новый мир. Он не указывает, куда идти, а только напоминает: выбрать путь ты должен сам». На выставке будут показаны работы из серии, созданной в 2021 году. Они представляют определенный этап в творческой эволюции художника, связанный с разработкой авторского каллиграфического стиля, напоминающего старославянские шрифты. В работах Задорожного в первую очередь примечательны графические особенности письма, которые свойственны материальным следам речи, письменным знакам. Детали письма выдают присутствие призраков, тревожащих тех, кто держит эту речь. Эта тревога той же природы, что и в вопросе Петра, обращенном ко Христу. Quo vadis, Domine?

Фотоотчет: https://drive.google.com/drive/folders/1KomvMpj6ZsX0t1g6smJqjf5TylxGkM2u?hl=ru

Галерея M.A.R.S.H. представляет персональную выставку Александра Стоцкого «Московское время 20 часов 22 минуты». В своих работах Александр Стоцкий смешивает сознательное и бессознательное, случайное и закономерное, проявляя ускользающие от точных формулировок мысли в предельно контрастные образы настоящего времени. Следуя принципу «всё связано и пересечено», автор выстраивает бесконечные сериалы личных историй, словно спрашивая себя, — что это было и было ли это? Экспозиция объединяет работы из серий «Часы», «Материя», «Букеты», «Метро» выполненные в технике «реинкарнаж», первоначально разработанной автором для диджитал-искусства. Суть этой техники состоит в том, что точки/пиксели цвета фрагментов предыдущих работ растягиваются в линии и образуют полигоны следов краски на плоскости, по которой художник путешествует во времени и пространстве, фиксируя свои наблюдения и ощущения от происходящего. В серии «Букеты» картины собираются из рисунков, сделанных в бессознательном состоянии, иногда под действием солнечного удара, когда сознание отключено и рисунки рисуются сами собой — alla prima — «в один присест». Течение времени особенно чувствительно, когда жидкие краски чистого цвета текут на поверхность холста, переплетаясь тонкими прожилками друг с другом, образуя нерукотворные фигуры, знаки, символы, в которых определенно скрыта какая-то тайна, какой-то ответ на самый главный вопрос.

Фотоотчета нет

Картины Макса Талинга — не просто графические работы. Пространство и лица оживают за счет узоров, похожих на едва уловимое пламя тлеющих угольков. Сами фигуры, как и движения рук на портретах, складываются в некие новые буквы, как будто они пытаются передать нам какие-то послания. Синий цвет выбран для особого отстранения, общий тон хоть и кажется монохромным, но составлен из разных оттенков синего цвета, сложные узоры композиции создают глубину и рождают ощущение покоя. Каждая картина — это месяцы кропотливого труда, и никакая фотография не может передать всех тонких и филигранных нюансов оригинального изображения. Работы чисты и прозрачны, они открываются зрителю постепенно, и поэтому их нельзя смотреть в спешке и суете.

Фотоотчета нет

На выставке представлены работы в разных техниках: живопись маслом на холсте, скетчи на гофрокартоне и наброски с короткими историями. Живопись: ироничные коллажные композиции, персонажи, которые усиливаются за счет несовместимых для них объектов. Наполеон на спортивном байке, Брюс Ли с молочными сосисками и не только. Этот метод автор начал использовать после участия в выставке Сергея Шнурова «Ретроспектива брендреализма». Серия скетчей на гофрокартоне: автор использует выброшенные в супермаркетах гофрокартонные листы, чтобы дать им второй шанс, посредством изображения на них эротических сюжетов. Наброски из серии «ЖЗЛ» (жизнь замечательных людей): объектом набросков являются люди, часто обнаженные, которые сопровождаются короткими диалогами или монологами на бытовые темы. Темы текстов подслушаны или проговорены автором во время прогулок или во время кулуарных бесед, усилены и доведены до абсурда.

Фотоотчета нет

Выставка представляет собрание работ художника, созданных в период 2019-2020 годов. Используя широкий спектр техник, Ромуальдас Пранулис разворачивает перед зрителем экстатически напряженный образный мир, в котором смешиваются мотивы священной истории и психоделические сны. В своей художественной практике Пранулис обращается к неоэкспрессионистскому визуальному коду, сам художник называет свой стиль «языческим экспрессионизмом». Используя широкий спектр техник — роспись акрилом и маслом, аэрозольными красками, маркерами, сухой пастелью, художник разворачивает перед зрителем экстатически напряженный образный мир, в котором смешиваются мотивы священной истории и психоделические сны.

Фотоотчета нет

Галерея M.A.R.S.H представляет выставку скульптора Романа Твердохлебова Archeology Post-Apocalypse Museum. Выставка переносит зрителя в далекое будущее, когда мир начинает приходить в себя после катастрофических событий в прошлом, происходивших в разгар промышленной революции. Коллекция постапокалиптического музея рассказывает об артефактах, каждый из которых несет свою историю о сущности человеческой природы и мира в целом, как взаимосвязь цивилизации и влияния человека на историю будущего. Быт, традиции, религия, ритуалы, монументы, идолы, архитектура, искусство и т.д. несут в себе отражение цикличности этапов развития цивилизации, и приводят нас вновь и вновь к каменному веку, или неоантичности после глобальных войн или природных катастроф, откатывая нас назад, чтобы попробовать еще раз. Все это говорит нам о том, что люди всегда остаются собой, не взирая ни на какую опасность или сильные изменения в окружающем мире и несут с собой обе стороны сознания: агрессивно-разрушительную и культурно-этическую, рождая собой множество самых разных когнитивных диссонансов. Роман Твердохлебов исследует многогранность и парадоксальность человеческой натуры. Обращаясь к архаическим образам через иронию, он осмысляет аспекты человеческого естества, которые не меняются независимо от эпохи и развития цивилизации.

Фотоотчета нет

29 апреля в пространстве Cube.Moscow публике впервые была представлена новая галерея M.A.R.S.H. Ее создали коллекционер Роман Шабанов и художник Настя Миро. Галерея будет представлять как классических авторов, так и молодое современное искусство. В рамках презентации M.A.R.S.H. представит трех резидентов: эстонского художника Макса Таллинга и российских авторов Алексея Васильева и Настю Миро.

Фотоотчета нет

В своей художественной практике Непетрович обращается к методам пуантилизма, создавая выразительные работы в узнаваемой стилистике. Холсты, представленные на выставке, созданы в 2025 году и продолжают одну из стилистических линий автора. Интерьеры, довлеющие над одинокими персонажами, — основной сюжетный ход автора. Детские игрушки или роботы-пылесосы выглядят потерянными на фоне пустых комнат, словно покинутых их обитателями. Экзистенциальное напряжение одиночества в пустыне на полях человечества — ключевая эмоция работ.

По мнению самого художника, пуантилизм актуален и сегодня. «В работах этой серии я пытаюсь передать атмосферу неопределенности, поиска новых форм взаимодействия человека и искусственного интеллекта. Удастся ли человеку приспособиться к быстро меняющейся обстановке, удастся ли сохранить человеческие качества, не потеряться в лабиринтах виртуальной реальности? Приглашаю зрителя зайти в работу в поиске ответа на эти вопросы и вызовы». Пуантилизм использует оптические иллюзии для создания изображений из многих маленьких точек, расположенных близко друг к другу. При близком рассмотрении картина выглядит размытой, издалека — точно просматривается объект. Благодаря этому эффекту изображение получается живым и многомерным. Пуантилизм позволяет передать ощущение зыбкости, эфемерности происходящего: изображение то распадается, то вновь собирается в единое целое, и это зависит от расстояния, на котором находится зритель.

Галерея M.A.R.S.H. представляет персональную выставку Мики Зона. Художественная практика Мики располагается в постэкспрессионистском сегменте. В своих работах художник обращается к сетевой культуре, приемам глитча, эстетике хардрока. Одним из ключевых элементов работ Мики раз за разом оказывается асемическое письмо. Вьющиеся цепи символических означающих свободных от всякого означаемого представляют собой «письмо Реального», которое демонстрирует письменный знак как таковой.

«Точка зрения воспроизводства» открывает нам взгляд на действительность из перспективы «мира без субъекта». Саморегулирующая система социальных отношений настаивает на своем существовании, продолжая себя во времени через посредство субъективированных индивидов. Такой подход предлагает в известной степени дегуманизированную позицию, в которой просвещенческий субъект сходит со своего пьедестала, оказываясь лишь побочным продукта самовоспроизводства системы смыслов.